En un mundo atrapado en pleno Siglo XIX, donde la aeronáutica ha evolucionado hasta límites insospechados, Claus Valca y Lavi Head son dos amigos de la infancia, huérfanos, que pilotan un vanship, única herencia de sus respectivos padres, trabajando como mensajeros. Sin quererlo, se topan con un envío especial a la legendaria nave Silvana. El paquete, es una niñita (Alvis) que puede guiarlos hasta la mítica nave denominada Exile, que se halla en el Océano Turbulento. Ahora, Claus y Lavis se encuentran en medio de una guerra entre las dos grandes potencias de ese mundo, teniendo que decidir en qué bando están y cuál será su papel en ésta.
En Last Exile hay dos bandos, no precisamente buenos ni malos, y los protagonista están en medio, sin saber si deberían participar en ella, y si lo hacen ¿por qué o quién? Todo esto mientras nos presenta paisajes hermosos y nos da en las narices con impactantes escenas del “terror de la guerra”. Sin duda alguna, una auténtica maravilla contra la moralidad de lo bélico.

Personajes

Claus Valca: Es un mensajero, pilota el vanship de su padre con Lavie como copiloto. Es amable, gentil y valiente. Perdió a su padre cuando éste trataba de cruzar la Gran Corriente. Cuidará personalmente de Alvis y decidirá luchar para cambiar al menos, en parte, el mundo en que vive.
Lavie Head: Es la copiloto de Claus y amiga de la infancia. Ella también perdió a su padre en la Gran Corriente, pues era el copiloto del padre de Claus. Ella se siente atraída por Claus más allá de la relación casi de hermanos que tienen, pero no se lo confiesa, aunque lo demuestra al tener celos de Tatiana a lo largo de la serie. Aunque siempre se hace la dura y fuerte, es una chica sensible y sentimental.
Alvis Hamilton:Es una niña misteriosa que queda bajo el cuidado de Claus y Lavie para que se la lleven al capitán del Silvania, Alex Rowe. Es una de las claves para encontrar el Exile, motivo por el que Alex quiere que esté bajo su poder. Es una niña ingenua y amable, que se preocupa mucho por Claus y Lavie.
Alex Row: Es el capitán del Silvania, un estratega experimentado y de una fuerte determinación. Desea encontrar el Exile para liberar al mundo del Consejo, y cobrar venganza contra el Maestro Delphine por la muerte de su prometida Euris.
Sophia Forrester: Es la primera oficial del Silvana, además de la heredera al trono de Anatore. Está enamorada de Alex Rowe, pero él no olvida a Euris. Tiene que abandonar su puesto para ascender al trono tras la muerte de su padre como emperatriz. Ella se encargará de firmar la paz con Dusith, que permite el ataque contra el Consejo y la captura del Exile.
Tatiana Wisla: Ella es la comandante del escuadrón de vanships del Silvana y principal piloto de batalla. Es muy seria y exigente consigo misma y con los demás. Cuando conoce a Claus cambia su forma de ser, ya que se enamora de él al recordarle lo que es preocuparse por los amigos, como ella lo hacía por Alister.
Alister Grew: Es la copiloto y mejor amiga de Tatiana desde la academia militar. Es por completo opuesta a Tatiana, tímida y atenta, amable con todos.
Moran Shetland: Era originalmente un fusilero de Anatore, habiendo sobrevivido a muchas batallas. Acaba llegando a ser mecánico del Silvana, aunque luego regresa a su empleo para el asalto final de Anatore y Dusith contra el Consejo. Entonces es cuando conoce a Dunya, con la que al final se casará y tendrá dos hijos.
Dunya Scheer: Era una fusilera de Dusith que participó en el asalto final contra el Consejo. En los preparativos de éste conoció a Moran, con el que al final congeniaría.
Vincent Alzey: Es el capitán del Urbanus, la nave insignia de Anatore, y amigo de Alex y Sofía.
Dio Eraclea: Es un chico del Consejo, y hermano menor del Maestro Dephine. Conoce a Claus en una batalla y queda impresionado por sus habilidades como piloto. Le sigue hasta que llega al Silvana. Desde el inicio tiene una actitud insolente y arrogante que llega a cambiar cuando conoce y aprecia a la gente del Silvana, en especial a Claus. Su siervo personal y amigo es Luciola.
Luciola: Es el siervo y guardespaldas de Dio. Se encarga de complacer todas las peticiones de su amo, manteniendo una actitud servicial hacia todos excepto los que quieren hacer daño a Dio. Fue designado como siervo de él siendo ambos pequeños.
Gran Maestro Delphine: Hermana mayor de Dio. Lidera el Consejo (tras haber acabado con las otras tres familias que lo dirigían) y desea tener el control de Exile para asegurarse el poder. Es una persona frívola y cruel que mira a las personas de los dos reinos, e incluso a los del suyo propio, como inferiores.

Banda Sonora

Primera:

1. Opening: Cloud Age Symphony de Shuntaro Okino.
2. A Morning in Nonkia (Instrumental)
3. Working on the Cloud (Instrumental)
4. To the Race (Instrumental)
5. Prayer for Love (Vocal, japonés)
6. Brave Willing (Instrumental)
7. Cover Stories (Instrumental)
8. Flyin’ to Fly (Instrumental)
9. Requiem in the Air (Vocal, japonés)
10. Hello
11. Kitty Girl (Instrumental)
12. Chivalry Spirits (Instrumental)
13. Advances (Instrumental)
14. Naval Affair (Instrumental)
15. All is Over (Instrumental)
16. Skywriting (Vocal, inglés)
17. Silverna (Instrumental)
18. Vanishing Point (Instrumental)
19. Complicated Decision (Instrumental)
20. Over the Sky (Vocal, japonés)
21. Ending: Over The Sky de Hitomi Kuroishi.

Segunda:

1. Road to the Light (Instrumental)
2. Head in the Clouds (Vocal, inglés)
3. Fleet of Littleships (Instrumental)
4. Heavy Cocoon (Instrumental)
5. Ground Stream (Instrumental)
6. A Stimulant (Instrumental)
7. Rays of Hope (Vocal, japonés)
8. Beautiful Fields (Instrumental)
9. Coronation (Instrumental)
10. Lost Friend (Instrumental)
11. Princess Sophia (Instrumental)
12. I Can See a Heart (Vocal, inglés)
13. Malicious Queen (Instrumental)
14. Ceremonious Play (Instrumental)
15. Counterattack (Instrumental)
16. Make Advantage (Instrumental)
17. Dreams of Fathers (Instrumental)
18. LAST EXILE (Instrumental)
19. Over the Sky (Angel Feather Version) (Vocal, japonés)
20. A New World Has Come (Vocal, japonés)

Curiosidades

¿Qué es un Vanship?
Los vanships son naves voladoras pequeñas, usadas mayormente por los mensajeros pero también en combate. Su funcionamiento se basa en la circulación del líquido Claudia por un circuito, dependiendo la potencia desarrollada de la presión y concentración del mismo, pues se usa como combustible. Tiene lugar sólo para dos personas, piloto y copiloto.
Su diseño recuerda a los aviones antiguos biplaza, con los asientos descubiertos. El piloto va siempre delante, y el copiloto es el encargado de vigilar el líquido Claudia, así como de enviar y recibir mensajes (normalmente mediante morse y linternas) y de recargar las balas en los vanships de guerra.
Se desconoce el aspecto de los vanships de Dusith, o si posee algo similar. El Consejo usa unas naves de batalla unipersonales notablemente distintas, con forma de estrella de cuatro puntas que pueden volar en cualquier posición por antiaerodinámica que parezca. Estos pueden además andar de manera robótica al posarse en tierra.

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Last Exile ha sido publicado originalmente en AnimeHD

Estamos ante la primera serie dirigida por el gran maestro Hayao Miyazaki y que le supuso el espaldarazo definitivo para convertirse en el director de animación mas importante del Japón.
El anime comienza con una breve introducción explicando cómo, en el año 2008, se produjo la tercera guerra mundial, en la cual se utilizaron unas armas denominadas “armas magnéticas” mucho mas poderosas que las “bombas atómicas” y que, por el uso indiscriminado de estas armas, la tierra queda prácticamente destruida.
A partir de aquí, comienza la historia de Conan un niño que vive con su abuelo en una isla, ya que la totalidad de la tierra ha sido inundada debido a la desaparición de los casquetes polares, y ambos creen que son los únicos supervivientes del planeta.

Un día aparece, arrastrada por la marea, en la playa de su isla una niña llamada Lana, y una vez que se recupera les explica que no son los únicos supervivientes del planeta. Lana está siendo perseguida por soldados de “Industria” una ciudad que lejos de evitar cometer los mismos errores que en el pasado, se empeña en volver a realizarlos, y necesitan a Lana porque es la única capaz de guiarles a su abuelo, el famoso científico Doctor Lao, el autentico poseedor del conocimiento de la energía solar.
A partir de aquí Lana es secuestrada y comienza la aventura de Conan por liberarla de las garras de “Industria”, y donde el autor nos cuenta una autentica epopeya sobre la amistad, el respeto por tus semejantes y el respeto por la naturaleza.

Personajes

Conan: Es un niño de 10 años que cree ser el único superviviente, junto a su abuelo, de la terrible catástrofe ocurrida en la tierra 20 años atrás, con una fuerza increible y una habilidad para aguantar bajo el agua que rozan el milagro, de corazón noble y con una conciencia ecologista muy acentuada, debido a la educación que le ha transmitido su abuelo, una vez conoce a Lana su unico objetivo es protegerla, ya que como le dijo su abuelo antes de morir “haz amigos y no vivas solo”
Lana:Amiga de Conan desde que éste la encontrara en su isla. Perseguida por el gobierno de industra por ser la nieta del doctor Lao; tiene la habilidad de comunicarse con las aves y es capaz de hablar telepáticamente con sus seres queridos.
Jimsy: Unos de los primeros seres humanos con los que Conan tiene contacto y que, posteriormente, se comvertirá en su mejor amigo. Es muy glotón, sobrevive cazando en una isla donde vive apartado del resto de sus habitantes, su primer encuentro con Conan es uno de los momentos más divertidos de toda la serie.
Miss Monsley: Es la vicepresidenta de Industria, mujer despiadada y cruel al principio, pero que descubre las verdaderas intenciones de sus superiores y acaba ayundando a Conan en sus objetivos. Tripula “el Halcon”, una aeronave que realiza misiones para Industria.
Capitan Dyce: Es el capitan del Barracuda y, al igual que Miss Monsley, es un personaje que al principio realiza trabajos para “Industria” entre ellos, se encargó del secuestro de Lana, aunque hay una parte que les diferencia, el Capitan odia a “Industria” y sólo lo hace por dinero y seguridad. Aunque lo niegue, está enamorado de Miss Monsley y junto a ésta acabará ayudando a Conan y sus amigos. Este personaje, al igual que Jimsy, es el que desarrolla la parte humoristica de la serie.
Leftca: Director de “Industria”. Junto con el resto de gobernantes, intenta lograr el poder de la energia solar para utilizarla como arma y gobernar a todas las colonias humanas supervivientes a la gran catastrofe, sin inportarle el daño que le está haciendo al planeta.
Doctor Lao: Abuelo de Lana. Es un famoso científico poseedor del conocimiento de la energia solar, aunque indirectamente, es uno de los responsables de la catástrofe ocurrida 20 años atras, vive oculto en el barco de salvamento ya que sus enemigos pretenden que les facilite sus conocimientos para dominar el mundo. Se comunica con Lana por telepatia.

Autores

Qué decir del gran Hayao Miyazaki (宮崎駿,). Probablemente el director de cine, de animación, ilustrador, y dibujante Japones más conocido fuera de este pais.
Fundador del famoso estudio Ghibli, en sus comienzos comenzo trabajó para el estudio Toei donde conocio a su gran amigo Isao Takahata, con el que colaboraría en animes tan conocidos como Heidi, Marco, y Ana de las tejas verdes para el estudio que más tarde se transformaría en Nippon Animation.
En 1978 se encarga de dirigir su primera serie, “la que nos ocupa” y en 1979 su primera película, Lupin III, el castillo de cagliostro, única pelicula de Miyazaki no considerada del estudio Ghibli.
Autor también de varias obras de Manga como Nausica en el valle del viento, obra de la cual se haria un anime, y la menos conocida Shuna no taby.
Con el éxito de estas obras fundaría, junto a su amigo Isao Takahata, el estudio Ghibli, y empezaria a realizar los largometrajes de éxito internacional como: Mi vecino Totoro, Niky la aprendiz de bruja, Porco Rosso, El viaje de Chihiro (oso de oro y oscar en 2002), La princesa Mononoke y El castillo Ambulante, entre otras menos conocidas.

Banda sonora

La música de este anime está a cargo de Shinichirou Ikebe, profesor del ilustre colegio de musica de Tokio. Ha compuesto, entre otras muchas obras, la musica de numerosas películas del famoso director de cine Japones Akira Kurosawa.

Opening : Ima Chikyū ga Mezameru (今地球がめざめる, Ima Chikyū ga Mezameru?) (realizado por : Naozuki Kamata, Yūko Yamaji)
Ending : Shiawase no Yokan (幸せの予感, Shiawase no Yokan ?) (performance: Naozuki Kamata, Yūko Yamaji).

Curiosidades

- La serie está basada en la novela The incredible Tide de ” Alexander Key.
- Aunque Miyazaqui es el director general del anime, sólo se encarga de dirigir directamente los episodios 1,2,16,18,19,22 y 26, quedando el resto de episodios dirigidos por su amigo Isao Takahata y Keiji Hayakawa.
- En esta, su primera obra de animacion, ya se ven los estereotipos que se repetirán a lo largo de su carrera como director, vease la eterna defensa de la naturaleza en sus obras o su afición por las maquinas voladoras, así como el cuidado de unos paisajes dignos de auténticas obras de arte y unos personajes principales tan carismáticos que te harán sentir que estás viendo un anime realmente magico.

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Conan el niño del futuro ha sido publicado originalmente en AnimeHD

La historia empieza con la guerra por la conquista espacial de algo. En ésta podemos ver a un individuo bastante energético que alista a su gigantesco mecha para hacer un ataque final. Después del opening vemos a nuestro protagonista: Simon, es un muchacho que trabaja haciendo agujeros para expandir el territorio de su pueblo, que es subterráneo. El joven, debido a su velocidad y eficiencia, trabajó descubriendo tesoros, y es así cuando un día descubre un pequeño taladro brillante. El chico se lo guarda para sí, y al salir del agujero conocemos un poco más de su vida: como que es rechazado por las chicas quienes lo consideran un bicho raro, y que siempre se une a las locas aventuras de su amigo Kamina, quien está obsesionado con salir a la superficie algún día y ver el cielo azul. Ese día se topa con él y vemos como Kamina considera a Simon como su hermano de alma, diciéndole que su taladro es su alma. Es más, dice que será su taladro el que los llevará al paraíso. En su último plan para llegar a superficie, Kamina decide utilizar cerdos-topo como escalera y taladrar el techo de la ciudad, sin embargo, su plan se ve interrumpido por el alcalde del pueblo. Después de recibir la respectiva bronca, Kamina permanece quieto mientras estalla un terremoto, haciendo que todo el pueblo se asuste. Recordando como sus padres murieron en un terremoto similar, Simon le dice a Kamina que se mueva porque sino le pasará lo mismo. Kamina abraza a su amigo, y una vez acaba el seismo, les grita a todos los del pueblo que en la superficie no hay techo que se te pueda caer encima.
Después de que encarcelen al joven, Simon continúa excavando y encuentra una cara que brilla al unísono con la luz del pequeño taladro que encontró. Simon excava hasta donde está Kamina para contarle su hallazgo, pero son atrapados cuando intentan escapar. Cuando el alcalde está a punto de darle otra paliza a Kamina, algo cae sobre el centro del pueblo desde el techo, lo que probaría la teoría de Kamina de que hay algo encima. Sin embargo, nadie le hace caso ya que la criatura mecánica con forma de cabeza de lobo empieza a atacar indiscriminadamente. Tomando la espada del alcalde, Kamina está listo para hacerle frente, pero la llegada de una chica con un gran rifle lo interrumpe. La muchacha en cuestión empieza a disparar a la criatura antes de llegar al suelo, donde Kamina ya trata de conocerla más. Es Simon quien salva a ambos jóvenes del ataque de la criatura, para luego llevarlos a ver su descubrimiento. Al ver la cabeza mecánica, Kamina le sugiere a Simon que utilize su pequeño taladro como llave para activarlo. Después de hacerlo, la cabeza saca manos y piernas y de un impulso los saca al centro de la aldea donde se encuentra el enemigo: Ganmen, asi es como la chica llama al monstruo, que sigue con su destrucción. Kamina le pone “Lagann” de nombre al mecha de Simon, pero por distraídos, tanto él como la chica terminan entre la cabeza de Ganmen.

Para suerte de ambos, al atacar Simon esquiva el golpe, y hace que el Ganmen golpee su propia cabeza. Al parecer han ganado, pero Ganmen se levanta nuevamente y atrapa al Lagann en su boca con Simon, Kamina y la chica dentro. Mientras tratan de escapar de sus dientes, Simon sabe que necesitan más poder para escapar, por lo que gira aún más el pequeño taladro que sirve como llave, lo que ocasiona una explosión de energía que los libera. El Lagann, que ahora tiene un taladro en la frente, libera unos taladros en ambas manos y con el apoyo de Kamina, Simon empieza su super ataque de perforación sobre el cuerpo de Ganmen. La fuerza de la perforación es tan grande que atraviesan el techo y destruyen por completo a Ganmen llegando a la superficie del planeta. Kamina, Simon y la chica disfrutan de la bella vista que les proporciona una puesta de sol desde la superficie. Es ahí donde la chica se presenta a si misma como Yoko, para luego conocer los nombres de Kamina y Simon. Sin embargo, su presentación no puede durar mucho tiempo ya que el Lagann empieza a caer y no pueden hacer nada más salvo protegerse dentro del Lagann. Una vez en tierra, Simon abre los ojos y ve que tiene una vista privilegiada de los pechos de Yoko, pero a la chica no parece importarle; es más… lo abraza más fuerte una vez que tiene una atemorizada mirada al descubrir que hay dos nuevos enemigos mecánicos delante suyo.
Doce años han pasado desde “Neon Genesis Evangelion”. Siete desde “FLCL”. Y mientras una versión renovada de Evangelion se ha anunciado con bombos y platillos, apareció “Tengen Toppa Gurren Lagann”, el último trabajo del prestigioso estudio Gainax. No es azar que mencione ambas piezas fundamentales de la veta más experimental de esta casa de animación; nuevamente, la supervivencia de la raza humana se enfrenta en una aventura épica rebosante de adrenalina y personajes legendarios, a la extinción de lo conocido y de la conciencia de las personas.
Co-producida por Aniplex y Konami, esta creación del veterano escritor Kazuki Nakashima ha estado en gestación desde la participación de éste en los episodios de temática mecha de “Abenobashi”, también de Gainax. Al mismo tiempo, Hiroyuki Imaishi, antiguo director de animación del estudio, asumió el reto de debutar como director e imprimir su sello frenético y veloz en el nuevo proyecto. El primer episodio salió al aire en TV Tokyo el 1 de abril de este año, y desde entonces ha ganado adeptos semana a semana, en un ascenso al éxito tan arrítmico como la acción de cada capítulo.
El anime está lleno de acción, como es costumbre recientemente con Gainax. Como solo son 27 episodios no hay tiempo para rellenos, así que la trama siempre avanza en cada episodio, lo cual de mi parte es bueno. Es un anime shōnen así que esperen ver muchos chistes con tematica sexual, fan service por parte de Boota (un pequeño jabalí subterráneo) y el busto rebotante de Yoko, etc. Aparte de esto hay un personaje para cada cliché clásico del anime, y aunque las animaciones a veces son exageradas, nunca se vuelve verdaderamente molesta.
Algo que realmente no me gustó al principio, es que parecía que este robot iba a ser invencible de comienzo a fin. Aunque sí hubieron eventos en los que el equipo protagonista no salió airoso, la mayor parte del anime los muestra como una banda de sólidos que nunca pierde, nunca tiene problemas y por más difícil que se ponga la situación, siempre va a ganar. Esto realmente me dio mal sabor de boca al principio, porque tiendo a buscar más credibilidad y humanismo que otra cosa, pero casi al final de la serie esto va cambiando un poco.
La serie está dividida en dos partes, así que puedes decidir entre ver la historia secuencialmente (capítulos del 1 al 16) o ver la segunda parte primero (17 al 27) y hacer las cosas más interesantes. La primera parte es más cómica y relajada, aunque con ciertos momentos serios sin embargo, la segunda parte gira más hacia el drama con bastante acción, pero menos momentos graciosos.

Personajes

Simon: Es el personaje principal de la historia. Un joven bajito y despreocupado de 14 años en el comienzo de la historia, nació en la aldea Jiiha y fue criado por sus padres hasta los 7 años, cuando estos murieron en un terremoto subterráneo. Sus muertes traumatizaron a Simon al punto de hacerlo temer y odiar la vida bajo tierra, y tomaron un rol importante en el desarrollo de su relación con Kamina. Irónicamente, el trabajo de Simon en su ciudad era la de cavar más túneles y cavernas para expandir la Aldea hacia abajo.
Kamina: Es un joven mayor de la aldea Hiiha que sueña con salir a la superficie, la cual visitó de niño. Logra convencer a Simon de ayudarlo en su plan de cavar a través del techo de la Aldea y salir al mundo exterior, pero el plan falla y es encarcelado. Gracias a la ayuda de Simon y una joven llamada Yoko, logra salir a la superficie tras luchar con un Gunmen que había irrumpido en su aldea.
Yoko: Es una chica de la aldea de Ritona que se encontraba persiguiendo al Gunmen que entró a la Aldea Jiiha. Porta armas de largo alcance, especialmente su rifle de francotirador creado a partir del Barret M82 y revólveres que usa para combate de medio y corto alcance. Aunque es de una edad similar a la de Simon, es muy madura y una de los miembros más racionales del grupo. Pese a siempre criticar a Kamina por su comportamiento, no tardó mucho en confesar sus sentimientos hacia él, que fueron correspondidos.
Nia: Es una chica misteriosa encontrada durmiente en un vertedero por Simon. No había tenido contacto con humanos previamente a excepción de su padre, el Rey Espiral, soberano de los Hombres-Bestia. Es muy curiosa, pura e inocente ya que creció en un ambiente cerrado y pacífico, lejos de las batallas del mundo exterior.
Viral: Es un recurrente enemigo a lo largo de la serie. Es un Hombre-Bestia, habilidoso tanto pilotando gunmen como en combate cuerpo a cuerpo.

Autor

Kazuki Nakashima (中島かずき, Nacido el 19 de agosto de 1959) es un escritor y dramaturgo de anime.
Padre del nuevo “teatro de acción” japonés (junto a Hidenori Inoue) gracias a su compañía, Gekidan Shinkansen, Nakashima es conocido por la fuerte influencia que el teatro clásico (kabuki y bunraku) y el shounen-manga de autores como Go Nagai o Shoutaro Ishinomori han tenido en su trabajo, traduciéndose en obras de poderosa emotividad y explícito significado, en ocasiones aderezadas con elementos del “teatro del absudo”, pero muy alejadas del hermético simbolismo post-modernista que impregna buena parte de la ficción contemporánea.
Desde sus inicios en Ashura-jo no Hitomi hasta la reciente Dokurojo no Shichinin, las obras de Kazuki Nakashima tienen su raison d’être en sus arquetípicos protagonistas, cargados de masculinidad, espíritu heroico y deseo de libertad, líderes carismáticos de una emblemática minoría que se opone a la opresión de fuerzas sobrenaturales, una visión (relativamente) tradicional del bien contra el mal que cobra nueva vida al enfatizar las expresiones corporales y movimientos en escena.
Curiosamente, 2007 representa el debut de Nakashima en la industria del anime por partida doble: de forma indirecta a través de la adaptación de su comedia de ficción histórica Oh! Edo Rocket (realizada por Shou Aikawa y Seiji Mizushima), y directamente con Tengen Toppa Gurren-Lagann, su primer guión para TV.

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Tengen Toppa Gurren-Lagann ha sido publicado originalmente en AnimeHD

Saya Otonashi es una estudiante de secundaria en un instituto de la ciudad de Okinawa. Vive con su familia adoptiva, George Miyagusuku, su padre, y Kai y Riku Miyagusuku, sus hermanos. Todo parece indicar que Saya es una estudiante normal, pero las cosas
Cambian cuando se ve involucrada en una serie de asesinatos que acontecían en ciudad, manteniendo en vilo a sus ciudadanos. Ella, que padece de amnesia y solo recuerda su último año de vida, empieza a recobrar su memoria.
Los asesinos en serie son en realidad unos quirópteros, seres hematófagos con apariencia monstruosa y que poseen una fuerza descomunal y son seres inmortales.
Un día, cuando Saya paseaba por la calle, escucha una melodía que le inspira cierta nostalgia, nostalgia por un pasado que no recordaba. La melodía procedía del violonchelo de un extraño hombre. Sin embargo esa vez no fue su primer encuentro ni tampoco el último. Por la noche Saya es atacada por un quiróptero en las aulas de su instituto. Ese misterioso hombre aparece y le entrega a Saya una espada y le muerde en el cuello. Saya pierde el control de si misma y retrocede al su ser pasado. Se convierte así en una asesina letal de quirópteros.
A partir de ese suceso Saya, va recordando su pasado y su verdadera identidad. Así descubre que en realidad ella es también una quiróptera y la única capaz de matar al resto de quirópteros, a través de su sangre. Haji, que así se llama el hombre misterioso, es en realidad el fiel caballero de Saya.
Tras varios sucesos trágicos, Saya abandona la ciudad con sus hermanos, Haji y varios amigos de la organización Red Shield (escudo rojo) que fue creada para proteger a Saya y combatir los quirópteros y acabar con Diva, la hermana gemela de Saya. Así se embarca en una aventura, tanto por el mundo buscando a Diva, como por su memoria, buscando su pasado.
En su camino Saya conocerá a nuevos compañeros de viaje y también a sus verdaderos enemigos: Las cinco flechas, grupo creado y controlado por los caballeros de Diva.
Una historia llena de aventura, acción, misterio, drama, sin olvidar sus historias de amor y su gran dosis de romanticismo.

Los quirópteros y el proyecto Delta 67

Los quirópteros son seres hematófagos, se alimentan de sangre humana, con aspecto de murciélago gigante un tanto monstruoso. Poseen una fuerza sobrehumana, alguno de ellos poderes y habilidades especiales. Son inmortales e inmunes a las armas, lo cual los hace invencibles. No envejecen. Lo único que los puede matar es la sangre de Saya.
No se sabe bien a que época se remonta la existencia del primer quiróptero. El único dato que tenemos es el de una momia que fue encontrada en 1833 por Joel y Amshel Goldsmith. Al disecar a la momia descubrieron unos capullos en su interior. Amshel se corta en el proceso y una gota de su sangre cae encima de un capullo, este empieza a palpitar. Al hacer lo mismo con el otro capullo también sufre la misma reacción y se dan cuenta de que los capullos necesitan de sangre para desarrollarse. Cuando eclosionan de los capullos salen dos niñas. Joel adopta a una de ellas y la cría como si de su propia hija se tratara. La llamó Saya. Amshel acoge a la otra niña y la encierra en la habitación de una mazmorra y la trata como a un animal experimental. Con ellas descubren que para sobrevivir necesitan de sangre humana, que a la edad de la adolescencia su cuerpo para de crecer, que lo único que las puede matar es la sangre de su hermana y que si un humano bebe la sangre de una de las dos se convierte en quiróptero.
A partir de la sangre de Diva, Amshel empieza una investigación, la manera de hacer que los humanos se vuelvan quirópteros. Estas investigaciones se nombraron como proyecto “Delta 67”. Amshel también intenta descubrir la forma en que la Diva pueda tener hijos de forma natural.
El Delta 67 es una sustancia obtenida principalmente de la sangre de Diva que suministrada a humanos puede hacerlos mutar progresivamente en quirópteros. Cuando Saya va a Vietnam por segunda vez, descubre que se estaba probando el Delta 67 en niños.
En los episodios finales se descubre que el Delta 67 se activa al oír a Diva cantar en vivo. Esto unido a que Cinq Flèches distribuía esta sustancia oculta en todos sus productos, provocó que muchas personas estuvieran en riesgo potencial de ser quirópteros.
El Proyecto Delta 67 se completó en 1972, en la guerra de Vietnam y estuvo bajo la dirección de Cinq Flèches y el Gobierno Norteamericano

Manga

Existen tres mangas que se posicionan en distintos aspectos y tiempos de la historia de Blood+, todos editados en distintas publicaciones de la editorial Kadokawa Shoten y realizados por distintos autores:
• Asuka Katsura
o Blood+ (Shonen Ace; cinco tankoubons)
• Kumiko Suekane
o Blood+ Adagio (Beans Ace; dos tankoubons)
• Hirotaka Kisaragi
o Blood+ Yakou Joushi (Asuka CIEL; un tankoubon)
Resumen de los mangas
Blood+ Manga que cuenta con cinco tomos, tecnicamente basado en el anime, cabe añadir que presenta ciertas diferencia, el manga se inicia con un principio similar al del anime (con la aparición se saya en la guerra de vietnam),luego ocurren los sucesos como en el anime, (resaltando una que otra diferencia),en este caso, el encuentro con Hagi fue por parte con Riku (Quién ya lo conocía) y Saya, cabe resaltar que la aparición del quiróptero frente a saya ocurrió en el restaurante de su padre, en cambio en el anime ocurrió en la escuela donde el profesor de educación física muere a causa del quiróptero, Hagi da de beber de su sangre a Saya (con un “beso”) como en el primer capítulo del anime, seguidamente Saya derrota al quiróptero, quedando Riku gravemente herido. David decide contarle acerca de quién es ella en realidad , a lo que Saya lo toma como ofensa y empieza a perder el control (en este caso Saya no es tan tímida como lo es en la serie)hasta el punto de atacar a David y recibir por parte de él un disparo de esta manera dándole a entender que no es humana cosa que en la serie transcurrieron capítulos en explicar su naturaleza. Luego de este suceso Saya va en busca de Hagi, con el fin de preguntarle a él ¿Quién es?,Luego de una discusión entre Kai y David, y la intervención de George (el padre adoptivo de Saya), Saya está dispuesta a pelear con los quierópteros.Saya se prepara para debutar en una obra de la escuela en la que tiene el papel de interpretar a una amnésica(el personaje principal),al que Mao le dijo que hiciera. Mientras Karl prepara el ataque hacia el centro comercial de kozo, decidido a vencer a Saya.
Blood+ Yakou Joushi Este unitario de Blood + cuenta los sucesos que, a fines del invierno de 1993, Hagi desarrolló en Hong Kong. Resulta que un policía joven llamado Nishi investiga un caso de asesinatos donde las víctimas perdieron demasiada sangre. Cuando el caso es tomado por una misteriosa organización, éstos le recomiendan a Nishi que mejor no se meta, si quiere seguir vivo. Casualmente, Nishi es atacado por un monstruo, y adivinen quién lo salva… Si bien es muy liviano en comparación a otras obras del género, Blood+ Yakou Joushi es un Shonen Ai. Se publicó por primera vez en las páginas de la revista Ciel el 29 de Septiembre de 2005 y, a la postre, se recopiló en un solo tankoubon que estuvo disponible en su Japón natal el 26 de Abril de 2006. Fue dibujado por Hirotaka Kisaragi (autor de mangas yaoi como Gate, Innocent Bird y Spectre).

Personajes

Saya: Es una quiróptera, nacida en 1833, en Francia. Fue acogida por Joel Goldsmith y criada como una niña normal, con todo el amor y todos los cuidados que Joel le pudo profesar. Y en consecuencia a esto se crió ajena a su verdadera identidad. Al llegar a la adolescencia su cuerpo dejo de envejecer. Esto, sumado a que ella es la única que se alimenta con sangre, hace que empiece a sospechar qué es en verdad. Cuando Saya pelea y ocupa energías, sus ojos se tornan un color rojo sangre claro, como si sus ojos se encendieran.
Diva: La hermana gemela de Saya, diferenciada únicamente por el color de ojos (azules) y el largo de su cabello. Tiene 5 caballeros: Amshel Goldsmith, Solomon Goldsmith, James Sidelside, Karl Fion y Nathan Mahler. Aparentemente una chica dulce, encantadora y feliz, pero en realidad es una chica cuya diversión es el sufrimiento de los demás, con sed de sangre y una mentalidad perversa. Esto es debido a que permaneció gran parte de su vida encerrada en una torre en el “zoológico” (donde se encontraban diversas especies animales considerando también a Diva) por Amshel quien la investigaba y le suministraba una pequeña porción de alimento. Este trato hizo que Diva odie la existencia de los humanos; empeorando las cosas el saber que Saya, su hermana, recibía todo el amor de Joel considerándolo así como su padre y desconociendo la existencia de su hermana. Diva no usa ningún arma en toda la serie, excepto en el último capítulo, usa una espada con la que se enfrenta a su hermana.
Haji: Haji es el primer caballero de Saya. Joel lo compró cuando aun era un niño para que sirviera a Saya. La relación entre ellos dos, al principio, no era buena. Haji era un niño orgulloso y obstinado y Saya lo trataba como a un sirviente, de forma caprichosa. Con el tiempo ellos dos llegan a conocerse mejor y a crear un lazo irrompible, a pesar de que Saya se siguiera comportando con él de forma caprichosa. Un día le ordena coger una flor muy rara y que solo crece en un acantilado. Haji en el intento de coger la flor cae desde el acantilado y queda gravemente herido. Saya desconcertada, asustada y sintiéndose culpable, decide darle un poco de su sangre para ver si se recupera, pero lo que en realidad pasa es que Haji se convierte en un quiróptero. Desde entonces el tiempo de Haji se detiene y adquiere poderes especiales de quiróptero.
Entre sus habilidades como quiróptero están sus alas, que no muestra hasta el final de la historia. A parte usa el estuche de su violonchelo como escudo, arma y funda para guardar la espada de Saya. Es un fiel caballero de Saya, atento a cualquier amenaza que esta pueda sufrir y siempre protegiéndola. La acompaña desde el principio en su aventura.
Kai Miyagusuku: Kai es el hermano de Saya, aunque no comparten lazos sanguíneos, e hijo adoptivo de George. Es un chico un tanto rebelde y mantiene una buena relación con su familia. Al ser huérfano, para él lo más importante es la nueva familia que tiene e intenta disfrutar de ella lo máximo posible. Pero con el paso del tiempo comienza a descubrir lo que en realidad está pasando y termina por unirse a Red Shield en su lucha contra Diva y sus Caballeros.

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Blood+ ha sido publicado originalmente en AnimeHD

Fuu, una chica de 15 años, trabajaba en una casa de té hasta que ésta fue destruida después de una violenta pelea a tres bandas entre Mugen, el vagabundo, Jin, el samurai errante, y los guardaespaldas del hijo del Daikan de ese pueblo. Al final del combate Mugen y Jin son arrestados para ser ejecutados al día siguiente. Fuu intenta hacer un trato con estos dos individuos, les ayudará a escapar si a cambio de ello le ayudan a encontrar al samurai que huele al perfume de semillas de girasol. Aunque las cosas no son tan fáciles ya que Mugen y Jin están siempre intentando acabar el uno con el otro, una rivalidad eterna casi profesional. Ambos samuraís tienen un pasado borroso; Mugen, de ascendencia pirata llama la atención con su atuendo y su extraña forma de pelear. De Jin, samurai silencioso y de mirada fría, de pocas palabras, es acosado varias veces por todos por distintos samuraís de la región, en su viaje hacia Nagasaki. Ex alumnos del dojo del que él procede, le asedian tratando de eliminarlo, debido a su reputación y a la historia que le precede.

Así entre veredas y pasajes oscuros, los tres viajeros padecen de todo: hambre, violencia y desamor. Toda la serie está bañanda con ciertos tintes de modernidad, como cortes y tintes de cabello, personajes que emulan algún recuerdo de artistas del arte y la música y sobre todo de un ambiente muy urbano, muy hip hop; no sólo por la música sino también por los personajes, su forma de hablar y de actuar. Además, guarda cierta crítica hacia la enajenación occidental en las culturas asiáticas y la influencia de la cultura nipona en el arte y la historia. Beatbox, grafitti, tatuajes, drogas, sexo sugerido, tristeza y fortuna, todas unidas por una línea hilarante de 26 episodios cuyo final sorprende a todos los gustos. Aunque no es una historia épica de dos samuraís, está muy cerca de serlo.

Cabe resaltar que durante la serie se desentraña una historia que tiene mucho que ver en la historia Tokugawa de aquellos días como el caso de sus creencias, clanes, etc. y sobre todo plasmado en el pasado de cada personaje y en la búsqueda del famoso samurai que huele como los girasoles.

Personajes

Fuu: Esta pequeña quinceañera Trabaja en una taberna que heredo luego de la muerte de su madre, conoce a Jin y a Mugen luego de que estos junto al guarda espaldas del hijo del Daikan destruyen la taberna, esta pequeña contrata a los dos forasteros para que la ayuden a encontrar al samurai que huele a Girasoles, a pesar de la mala relación de este trío poco a poco comienzan a confiar uno en el otro, y esta pequeña comienza a sentir algo mas que amistad por el desaliñado de Mugen.
Jin: Es el samurai negro, este personaje tiene un pasado algo oscuro puesto que los estudiantes del Dojo de donde proviene lo acusan de haber matado a su Sensei; es muy reservado, pero llega a ser muy fiel con sus amigos, a pesar de que Mugen desea saldar las cuentas “pendientes” que quedaron en la taberna estos 2 al final terminan siendo muy buenos amigos a pesar de que no lo demuestran; este samurai es el punto de equilibrio en la historia.
Mugen: Es un samurai muy conflictivo, es un perro viejo el cual no le da importancia a lo que le prepara el destino solo vive el hoy, este samurai parece un vagabundo por lo desaliñado, por su mal carácter y por la forma de llevar su vida, parece un hombre sin preocupaciones y además siempre busca tener problemas con Jin para demostrar que tiene mas habilidades con la espada que el otro samurai, poco a poco Mugen va cambiando su forma de ver las cosas y de ver la vida, y empieza a entender que encontró verdaderos amigos.

Autor

Shinichiro Watanabe (渡辺 信一郎 Watanabe Shinichiro) es un director japonés de anime conocido principalmente por sus obras Cowboy Bebop y Samurai Champloo. También dirigió los cortos como Kid´s Story y A detective story de The Animatrix.
Watanabe se distingue por mezclar distintos géneros. Es el caso de Cowboy Bebop, donde se mezclan el cine western clásico con el cine negro de 1940/1950, películas de acción de Hong Kong y jazz, junto con otros géneros. En Samurai Champloo la mezcla es entre distintas culturas de Okinawa, el hip-hop, las historias de samurais y el Japón moderno.
Después de unirse a la productora japonesa Sunrise, Watanabe trabajó de asistente en la producción y debutó posteriormente como co-director en la bien recibida continuación de Macross, Macross Plus. Después dirigió la serie para televisión Cowboy Bebop y su película Knockin’ on Heaven’s Door en el 2001. En 2003 dirige su primera producción americana con los dos cortos de Animatrix: Kid’s Story and A Detective Story. Después de ese proyecto volvió a un proyecto televisivo con Samurai Champloo que empezó a emitirse Fuji TV en Japón el día 19 de Mayo del 2004. Ese mismo año participó en la película Mind Game como director musical.

Banda Sonora

Lo primero que te viene a la mente al escuchar la banda sonora es qué demonios pinta el hip-hop en la era Edo, donde transcurre la historia… Pues queda genial, en lugar de destrozar el espíritu histórico ayuda a narrar la historia de forma muy original. Después de la calidad de la animación la música es lo que más llama la atención.
Como banda sonora para un anime es, cuanto menos, original y mas teniendo en cuenta que es un anime situado cronológicamente hace casi 200 años en el pasado. Los primeros momentos puede chocar bastante, descolocar e incluso desagradar, como suele pasar con casi todo lo nuevo…pero al cabo de un rato está tan integrada en la serie que otra música no podría irle tan a la perfección. Eso si, tanto le va el anime a la banda sonora como a la inversa, se complementan tanto, que intentar disfrutarlos por separado da como resultado una experiencia un tanto pobre. La BSO consta casi exclusivamente de bases rítmicas sampleadas bastante cojas y aburridas. Por supuesto hay excepciones, tanto el opening como el ending se dejan escuchar muy bien mas algún que otro corte que va perfecto como musica de fondo.

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Samurai Champloo ha sido publicado originalmente en AnimeHD

El 16 de Julio de 1988 en el área urbana de Tokio explotó una bomba de alta tecnología. Horas más tarde daba comienzo la Tercera Guerra Mundial. Años después, en la nueva capital Japonesa, Neo-Tokio, una banda de jóvenes motoristas liderados por Kaneda sufre un extraño incidente. Tetsuo, el más joven de ellos, choca de forma misteriosa contra un niño con cara de viejo. Se trata de Takashi, un mutante implicado en el misterioso proyecto gubernamental Akira, y que estaba huyendo del Coronel máximo responsable del proyecto.

Tras el accidente, Takashi es nuevamente capturado y Tetsuo recluido en unas instalaciones militares con el fin de curarle sus heridas. Sin embargo, los científicos del proyecto Akira descubren en el muchacho unos poderes psíquicos latentes en su cerebro y le asignan el número 41 en la cadena de experimentos.

Poco a poco, Tetsuo descubre sus enormes poderes. Al mismo tiempo, empieza a percibir una extraña presencia que se halla dormida en algún lugar de Neo-Tokio; se trata de un ser con un poder inmenso llamado Akira.

Kaneda y su banda, ansiosos de descubrir que pasa con su compañero, se ven envueltos en una serie de acciones terroristas durante las cuales conocen a Kay y Ryu, dos activistas dispuestos a sabotear el Proyecto Akira, ya que consideran que comporta un gran peligro para la humanidad.

Tras un intento poco afortunado de rescatar a Tetsuo, éste consigue poner en funcionamiento sus poderes psíquicos e intenta despertar a Akira, sin saber que ello puede significar un nuevo desastre mundial. Para impedir tal fin, Kaneda, Kay y tres mutantes de la antigua serie de Akira, Maseru (nº 17), Kiyoko (nº 25) y el propio Takashi (nº 26), intentan frenar a Tetsuo en su búsqueda del misterioso Akira (nº 28).

Personajes:

Akira:El personaje principal de la historia. Akira era un niño que desarrolló habilidades psíquicas cuando servía de examen para el gobierno ESP en los años 80. Perdió el control de su poder y aniquiló Tokio en 1988. Después de aquel acontecimiento, el cadáver de Akira fue recuperado y sujeto a pruebas de la ciencia moderna, que probó la incapacidad de demostrar el misterio. Sus restos fueron colocados dentro de un compartimiento criogénico por debajo del Estadio Olímpico de Neo Tokyo, para ser confiado al estudio de las generaciones futuras.

Shotaro Kaneda:El protagonista principal de la antología. Kaneda es el despreocupado líder de una pandilla que le gusta andar en motocicleta. Él y Tetsuo han sido amigos desde la niñez. Es temerario y le hace bromas a Tetsuo a pesar de que siente que es como su hermano menor. Desde el rescate de Kay, Kaneda llega a ser implicado en su grupo (el de Kay) anti-gobierno con la esperanza de localizar a Tetsuo.

Tetsuo Shima:El mejor amigo de Kaneda desde niños y el segundo sujeto del tema de la historia. Tetsuo es mostrado como la oveja negra de la cuadrilla, de la cual él y Kaneda son parte, pero sufre mucho por una profunda raíz de complejo de inferioridad. Admira a su amigo pero a la vez lo envidia. Después los poderes de Tetsuo despiertan. Tetsuo rápidamente pasa a ser el némesis de Kaneda; desea la motocicleta de Kaneda (un símbolo de gran estatus y poder) y desea probar su poder para ya no necesitar protección de nadie.

El autor:

Nació en abril de 1945 en la prefectura de Miyagi, una provincia dedicada a la agricultura y pesca que está situada a unos 400 km de Tokio. Cursó sus estudios en la universidad Saanuma, famosa por haber graduado a mangakas de la talla de Yoji kamata y shotaro Ishinomori (Cyborg 009, Kamen Rider, Japan Inc …). Fue durante esta época cuando empezó a interesarse por el mundo del cine, afición que después se vería reflejada en su estilo narrativo.

Después de graduarse en 1973, Otomo se trasladó a Tokio para convertirse en dibujante profesional de manga. En ese mismo año vió realizado su sueño al publicar su primera obra, The Gun Report, una adaptación de Matéo Falcone de Prosper Merimée, en la revista Action, para que posteriormente realizaría diversas obras cortas en el 1973; entre ellas destacan Highway Star, Hansei & Gretel, Boggie Woogie Waltz, y Kanojo no Ovoide (Recuerdos), una antología de los mejores relatos de Otomo entre los que se incluía La rosa Magnética (esta ultima forma parte, a su vez, de los tres cuentos que forman Memories). En el año 1979 y tras recopilar éstas en tomos, inició la que seria su primera serie regular, Fireball, una historia centrada en el enfrentamiento entre un ser humano y una supercomputadora. A pesar de que fue publicada en una revista de corta difusión y que Otomo ni siquiera llegó a concluirla, esta obra marcaría el inicio de su esplendorosa carrera en el mundo de la ciencia ficción.

Poco después creó una serie de características similares, Domu (pesadillas); esta vez narraba la lucha psíquica entre un viejo y una niña. Con ello Otomo seguía marcando las bases para Akira y, además, con gran éxito. Con esta historia ganó, de manera sorprendente, el prestigioso Gran Premio de Ciencia Ficción de Japón; concluyendo esta serie en 1982, año de partida para la que sería su obra cumbre, Akira. Nuevamente la ciencia ficción y el ritmo cinematográfico se unían para ofrecer una visión apocalíptica del decadente Tokio del futuro, que sirvió de juguete a un Otomo fascinado por el arte de la destrucción. Akira, que se publicó en la revista Young Magazine de Kodansha, obtuvo un rotundo éxito que logró alterar la industria del manga y sirvió para potenciar las revistas del tipo Young, así como poner de moda las historias de ficción del estilo Otomo.

En 1983 colaboró y participó en en diversas producciones animadas, siendo una de ellas Harmagedon (Genma Taisen), producida por Kadokawa y Madhouse basada esta en el manga original de Shotaro Ishinomori en la que colaboró creando los diseños de los personajes; en 1987 realizó la presentación y cierre de Robot Carnaval, un compendio de relatos sobre robots, y en el mismo año dirigió la adaptación animada de Akira, terminando esta en el 1988.

Nuestro autor siguió trabajando en proyectos como Sayonara Nipón, historia que relata las desventuras de un deportista Japonés que se traslada a Nueva York. En el año 1991 experimento una nueva faceta dirigiendo y escribiendo el guión de la película World Apartament Horror que después adaptaría al manga, con dibujos de Satoshi Kon, casi de manera simultanea comenzó a trabajar en la serie The Legend of Mother Sarah, una historia que recupera los valores más característicos de la producción del autor; en esta ocasión, sin embargo, la parte gráfica es obra de Takumi Nagayashu, uno de los maestros del propio Otomo. En 1991 colaboró en el guión y diseños mecánicos para Roujin Z, en la que volvió a cuidar hasta el más mínimo detalle tal y como hizo en Akira y posteriormente con Memories; sin las aspiraciones técnicas de Akira y con un grafismo aparentemente distanciado, Roujin Z nos narra el desarrollo de un malogrado invento basado en una cama destinada a cuidar a los ancianos y librar a la sociedad de los mismos. En 1995 realiza la ya citada Memories en la que se incorporan tres cortos;con Memories explora el imbricado mundo de la ciencia ficción, próxima y utópica, imaginada por este autor y representada en multitud de sutiles detalles visuales y continuas referencias a la tradición de este;en 1998 colabora en el film Spriggan, esta historia se centra en Yu Ominae, un chico de 17 años miembro de una organización secreta llamada Arkham; “Spriggan” es un nombre asignado a los agentes especiales de la Fundación y cuya misión es proteger los secretos de una antigua civilización; en 2001 realiza el guion del film Metrópolis de Osamu Tezuka, película basada en el manga del mismo nombre de uno de los grandes, Osamu Tezuka, publicado en 1949. Se basa vagamente en la épica Metrópolis de Fritz Lang, de 1927. Ambientada en una gran ciudad del futuro, Metrópolis nos muestra un mundo donde humanos y robots comparten el mismo suelo y donde las clases sociales dejan patente las desigualdades entre sus habitantes; en el 2004 produce el film Steamboy, en esta ocasión la historia nos remonta al siglo XIX, época en que Inglaterra se encuentra en plena Revolución Industrial y nos presenta a Ray Steam, el cual se ve arrastrado por los acontecimientos a convertirse en un héroe al estilo Rocketeer; en 2007 realiza sus dos últimos trabajos hasta la fecha; uno es la serie de TV Mushi-shi en el que nos presenta a Ginko, personaje principal el cual es un experto en Mushi (seres vivos similares a microorganismos y hongos) que viaja para investigar y conocer más a estos seres. En el camino, ayudará a gente que tiene problemas con ciertos sucesos paranormales relacionados con los Mushi, tomando generalmente, a modo de pago, objetos relacionados con los casos de Mushi que ha resuelto; y en segundo lugar la serie de ovas Freedom Project, en la cual nos muestra a un chico, Takeru, que descubre un secreto que podría cambiar a toda su sociedad.

Otomo en Fotogramas:

Como todo genio que se precie, Otomo es un artista polifacético y desde sus primeras obras la técnica y el ritmo cinematográfico se palpan en cada una de sus viñetas. Su primera aproximación al cine de imagen real se materializó en Jyu no Wareani, producida sin interés comercial alguno y cuyo reparto de actores estaba formado principalmente por los propios amigos de Otomo. Aunque esta experiencia no fue más que un capricho, la popularidad del autor en el mundo del manga hizo que la publicidad se fijara en él. A consecuencia de ello recibió multitud de encargos para importantes firmas comerciales, como Canon y Honda, y para varias cadenas de televisión. Así fue como llegó a crear bocetos de cuñas televisivas.

Analizando Akira:

Esta breve Sipnosis es la premisa argumental de Akira, una obra maestra que por méritos propios logró que el manga se introdujera en los mercados europeo y norteamericano. Cuando en 1982 Katsuhiro Otomo creó el manga de Akira, poco podía imaginar la repercusión que iba a tener en su país y fuera de él esta historia para adolescentes concebida inicialmente sin grandes aspiraciones.

Aunque en un principio Otomo se mostró reacio a la versión animada de Akira (a pesar de que el manga ya era muy popular), acabó aceptando el proyecto en 1987, y lo hizo encargándose del guión y la dirección del largometraje. El resultado fue una superproducción que revolucionó toda la industria del Anime. Con un presupuesto cercano al billón de yenes (obtenido gracias a la colaboración de diversas productoras) y con el mejor equipo técnico y humano –condición indispensable del director Otomo- se creó una obra comparable a las producciones Disney.

La soberbia calidad en la animación fue posible gracias a la ingente cantidad de medios (el trabajo se repartió entre diversos estudios de animación) y a la meticulosidad con que fue realizada la producción. A pesar de que el ordenador, obviamente, participó de manera muy activa en la realización del film, destaca por encima de todo el cuidado artesanal que se le dio a todos los aspectos de la película.

Mención especial merece la banda sonora, compuesta por el colectivo Geinoh Yamashirogumi, fundada por Shoji Yamashiro, que a pesar de su brillante carrera como músico su nombre era prácticamente desconocido para el gran público. Su creación para Akira se compone de diez cortes, cada uno de los cuales contiene referencias étnicas de todo el mundo. El trabajo final resultó ser uno de los mejores soundtraks creados para una película de animación. Sin caer en ningún estereotipo, Geinoh contribuyó a crear una atmósfera genuina e irrepetible.

Por otro lado, el aspecto argumental de la película fue uno de los más delicados. Otomo asumió la responsabilidad de adaptar el manga en un film de animación, y el primer problema con el que se encontró fue tener que resumir las 1.800 páginas de historieta en tan solo dos horas de película. Finalmente y tras varios guiones preliminares, el argumento de Akira consiguió condensarse en un guión que aprovechaba lo mejor del manga a fin de ofrecer al público un espectáculo visual que, a pesar de no contar con algunos matices presentes en la publicación, transmitiera una historia coherente y sobrecogedora.

Otro de los ingredientes del éxito de Akira es el trasfondo épico que se va apoderando de la historia a medida que transcurre la acción. Aunque en un principio la visión de un mundo postapocalíptico, la represión policial, la sociedad en declive y la falta total de valores morales son factores que pueden hacer preveer una película de tono deprimente o claustrofóbico, lo cierto es que el espíritu de los films de aventuras reside en cada fotograma, creando un conjunto de acción frenética que atrapa al espectador desde el primer hasta el último minuto.

Al igual que otras series de éxito, Akira generó una gran difusión de merchandising de lo más variado: trading cards, maquetas, posters, videojuegos e innumerables artículos con referencias de los personajes o de la película alimentaban constantemente la fiebre por la que sin duda es una de las mejores producciones de la historia del Anime.

Real como la vida misma:

Uno de los principales objetivos de Otomo en la creación de Akira fue imprimir un grado de realismo muy superior al que el resto de producciones nos tenían acostumbrados. Para lograrlo se valió de los mejores medios humanos y técnicos que podía dar en ese momento la animación Japonesa.

Para conseguir una sensación de auténtico realismo secuencial se realizaron animaciones independientes de cada personaje para agruparlos después en el montaje final. No importaba si, por ejemplo, el personaje aparecía cubierto de cintura para abajo por algún objeto visualmente anterior, las piernas se dibujaban y animaban igualmente para lograr mayor solidez.

Para la realización de los fondos Otomo se valió de los más veteranos artistas para su creación. Se dibujaron de forma completamente artesanal, y fueron las escenas nocturnas de los edificios de Neo-Tokio las que acapararon mayor tiempo de producción.
La cantidad de colores empleados fue otro de los alicientes con vistas a lograr un realismo muy especial. Se emplearon en total 327 colores, muchos de ellos creados especialmente para el film, que ayudaron a conseguir esa ambientación tan particular.

Por otra parte los personajes fueron dotados de una gama compuesta por cinco tonalidades de cada color, frente a las dos o tres que se emplean habitualmente.

La grabación del film requirió, aproximadamente, 150.000 celuloides finales, aun que en el baúl de Otomo se esconden una gran cantidad de bocetos, fondos e ideas que se desecharon, principalmente, por el inconveniente que suponía una película de mayor duración.

Otomo no sólo se conformó con ser el director y el guionista; también coordinó todo el proceso de doblaje. Con la ayuda de un sofisticado sistema llamado Quick Action, los movimientos de las bocas de los personajes se adaptaron a las voces de los dobladores, grabadas previamente sobre la base de los primeros bocetos animados del film. Era la primera vez que esta técnica (habitual en las producciones Disney) se empleaba en una producción Japonesa.

Otros

Tanto el manga como la película fueron en su día una auténtica sensación dentro y fuera de las fronteras niponas. Por desgracia, su repercusión en el mundo de los videojuegos ha sido escasa o más bien testimonial. Solo han aparecido dos títulos en relación a Akira, un pobre bagaje en comparación con muchas otras producciones que no han logrado despertar tanta expectación.

Akira (nintendo, 1988)
La primera consola de nintendo, la de ocho bits, tuvo el honor de albergar la única adaptación de Akira. Se trata de una video-aventura que seguía el esquema de la película. Un argumento excesivamente lineal impedía escoger a más de un personaje, por lo que el jugador siempre debía conformarse con el protagonista: el rebelde Kaneda. Unos gráficos mas que notables para la época y un sonido aceptable lo convirtieron en un juego de culto. Actualmente es uno de los videojuegos más buscados por los coleccionistas junto a otras joyas como los primeros Metal Gear o Castlevania.

Akira psycho pinball (playstation 2, 2001)
Curiosamente, y a pesar de la capacidad tecnológica propia de la playstation 2, la película Akira se vio reducida a un simple pinball con referencias al filme de Otomo

(Música, secuencias, fotogramas…). Un juego esperado con impaciencia que no cumplió las expectativas. Solo apto para los grandes admiradores de Akira o de los pinball.

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Akira ha sido publicado originalmente en AnimeHD